Yannick 是和驫舞劇場、周書毅長期合作的聲音藝術家，【下一個編舞計畫】在 5/1邀請他到驫舞劇場來和所有編舞計畫的編舞者們分享、聊聊他和編舞者工作、合作的經驗。
Yannick首先提問：編舞是什麼？編舞在做什麼？聲音藝術是什麼？你認為一個聲音藝術工作者在做什麼？音樂是什麼？一連串並不容易回答的問題，事實上也沒有確切答案，只是為了勾引出這件事：在與其他藝術領域的夥伴合作時，必須能先理解對方在做什麼，否則因為對彼此領域的陌生，便容易一開始就產生「錯誤的想像」。合作，不只是分享彼此的想法而已。
他以自己和編舞者合作的經驗提出他觀看的方法，也分享他所認為，編舞者學習聆聽的方法，以促成舞蹈與聲音之間更親密的合作，同時讓編舞者在選擇音樂上能有更進一步的思慮，抑或脫離過往的框架。
以下節錄當天聽完講座後，參與者的部份筆記重點：
「今天一個音樂工作者要為一個舞蹈作品創作一個音樂，Yannick選擇的方式，除了觀察動作之外，還要關心作品的空間與時間。同樣的，他也希望我們以這樣的方式去聆聽音樂，除了旋律與音色之外，聽它的厚度與精力！從我的解讀，音樂建構出的厚度與密度，由我們聆聽的人想像出這其中的網絡，全面性地了解又像是置身其中，是更為紮實地吃進去，如果說連呼吸都是音樂的話，舞蹈與音樂，甚至是任何一個可以呈現出來的東西，整個作品便能夠沒有附屬之分，成為獨立的個體了。… 另外，對一個舞蹈作品來說，或者你也可以嘗試將動作與音樂抽離，去比較有什麼不同，這樣的檢視，你會更了解你自己，與你的作品。」—簡麟懿
「感覺是相當重要，但不要只讓感覺來蒙騙你，或作為懶惰的藉口。… 好，現在我們可能選定了音樂 ，基本地查了它的歷史年代作曲者背景，對它稍有瞭解就決定使用。是的我的確覺常覺得對不起它，就好像請來一位比我大牌十幾倍的大明星來給我伴舞一樣，舞步還不怎麼樣！」—葉名樺
「隨後Yannick談及他與合作者的工作狀況。當他與他人工作時，最在意的並不是對方的創作理念，他需要實際看到舞者的肢體動作，這當中包含了舞者在空間中的移動路徑、舞者的動作速度及整個舞台空間，他試圖要在這些元素當中，找出可以與音樂聯結的部分。但他同時也提到一個概念『淨空（remove）』，這淨空意味著對舞作的概念不要有先入為主的觀念，也就是沒有預設立場，與舞作本身意念保持一段距離是必須的。對於如何找到適當的音樂，他提及一個我認為很好的概念『從學習聆聽開始，而非從技巧出發』。…
當然製作一場舞蹈演出，有專業的聲音藝術工作者參與，對編舞者來說是件相當幸運的事，但若沒有，只能從現成的音樂中尋找，Yannick也提出一些建議。其中令我印象最深刻的兩句話是「找到舞蹈與音樂間的連結」及「熟悉音樂的細節(look inside the music)」，每首曲子都有他的旋律、速度及產生的空間就如同舞蹈般，必須在兩者間找到相互的連結，所以我們必須熟悉音樂的細節，對音樂要有程度上的瞭解，要認識它的文化背景，或音樂類型，如電影配樂、流行音樂......等。因為當觀眾走進劇場看舞蹈演出，並不會只看到舞蹈，同時也會聽到音樂，而音樂也會引領觀眾有著想像。」—張華瑋（將演出新銳編舞者郭秋妙作品之舞者）
「『為什麼總是什麼而不是什麼？』就像為什麼總是鋼琴配樂而不是嗩吶或者鈸、鑼？我想造成這個結果的主要原因是我們忘了去『質疑』。質疑事情現在的原樣以及造成的原因，好像理所當然就該是那樣，所以脫離不了既定的那些條例，也無法走出自己的道路。移除既定的想法、觀念，忘記所有規則，『我想要創造什麼？』、『我擁有什麼？』，永遠都不要預設觀眾是否能夠接受地去做想作的，而不要落入『經典』之中。也許從不同的角度出發，即使是同樣的事，先前的經驗或者價值也就會被推翻，而得以往下一個邁進。」—田孝慈
「每一次的創作都要讓自己歸零，忘了自己以前作過的，忘了別人評判的眼光，把任何一切都丟棄。從沒有之中，你想要做什麼？」—郭秋妙
關於 Yannick
聲音藝術工作者，他的創作和研究從音樂開始，並延展極廣：即興演出、電子原音音樂(electroacoustic) 編曲、以及人類音樂學。他持續不斷在大自然，都會和工業環境中進行錄音工作(音景soundscape，特別在歐洲各地和其它地區（如印度，台灣）。這些聲音成為他編曲和CD出版品的素材，或是其它聲音創作發表的方式：時而與影像創作結合，如音樂會，聲音裝置作品，時而透過網路，如集體創作實驗，線上播放或作品下載。
其創作主軸為對於聽覺經驗的實驗和探索，他的作品經常參與在國際活動。而他的聲音創作也與其學術研究有緊密關連，其研究主題在於聲音風景，以及人與動物在聽覺上所彼此建立出的關係網絡。
近幾年來持續來台發表聲音創作，並至台灣各地進行田野錄音。許多在台灣錄製的音景被轉化成一些個人編曲作品的創作源頭，至今已有不少臺灣音景或特有的動物國等地的出版品中。
沒有留言:
張貼留言